Tra i collaboratori creativi di McQueen: A. G. Cook

La collaborazione di McQueen con gli artisti britannici che guidano l’innovazione nella musica è continuata con la sfilata Primavera Estate 2026, con una colonna sonora prodotta da A. G. Cook.

Musicista e produttore musicale vincitore di Grammy Award e protagonista di uno stile innovativo e sperimentale, Cook ha realizzato una colonna sonora originale ispirata ai riferimenti della collezione.

Ampi elementi cinematografici stratificati abbinano suoni ispirati agli elementi - acqua, terra e fuoco - con ritmi techno sincopati. Un’esplorazione della tensione tra l’inquietante e l’edificante, che va dai suoni acustici a quelli sintetizzati: un’interpretazione moderna del folclore, dell’anglosassone e dell’urbano combinati insieme, che si muove verso una liberazione onirica.

Puoi parlarci dell’ambizione fondamentale di questa colonna sonora e di come è stata sviluppata?

L’idea iniziale era una specie di strano folklore britannico unito all’atmosfera anni ‘70 del film The Wicker Man, un concetto che comunque mi piace. La mia interpretazione ha consistito nel muovermi tra mondi diversi, che si tratti di musica elettronica, acustica e unplugged, o di qualcosa di un po' giocoso e poi più serio: un concetto che a volte risulta sensuale oppure oscuro, e un'allegria che potrebbe essere anche sinistra.

Un’intera parte della composizione musicale utilizza versioni molto manipolate e ricampionate di me che suono questo piccolissimo fischietto di latta. Poi ho cercato di trasformarla in qualcosa di molto sintetico. Ecco perché sono ancora presenti alcune sintonizzazioni non corrette! Ho suonato alcuni strumenti diversi e li ho registrati, cercando di renderli più duri e industriali, per poi riportarli a un suono puro.

Ho iniziato così, in modo del tutto casuale e amatoriale. Non sono un suonatore professionista di fischietti di latta!

In che modo la colonna sonora si sposa con la narrazione della collezione che parla di abbandono al potere della natura?

Sono cresciuto a Londra, che ha già uno strano legame con la natura. È verde, ma non lo è. Ho anche trascorso molto tempo a Los Angeles, che rappresenta un altro tipo di connessione distopica con la natura. Ho anche trascorso molto tempo in diversi parchi nazionali nel Regno Unito e negli Stati Uniti, anche nel Montana, nel Parco Nazionale di Yellowstone. Mi sento come un ragazzo di città che si è gradualmente perso nella natura selvaggia. È un tema con cui mi sono confrontato per diversi anni.

Nella mia musica, per molto tempo, ho quasi bandito gli strumenti. Usavo solo un computer portatile, due casse e un microfono. Niente chitarre, niente chiavi musicali, niente di niente. Ora, gradualmente, sto reimparando e riprendendo in mano le cose, sia che si tratti di chitarra acustica, che di field recording. Ho reintegrato molti elementi che prima per me erano banditi.

Con un’idea come questa, che parla della tensione che tutti noi abbiamo nei confronti del mondo naturale, c’è da divertirsi. È qualcosa di sfacciato.

Parlaci di come uno dei riferimenti creativi dello spettacolo, The Wicker Man, ha influenzato il tuo approccio e caratterizzato la composizione?

Ci sono elementi horror, ma intorno aleggia sempre una sorta di sorriso spaventoso. C’è qualcosa di antico. È un collage, non sono elementi che provengono da un unico luogo.  Il film gioca con la tensione di un estraneo che vi si trova coinvolto...

La musica stessa ha molti momenti di silenzio nella colonna sonora, poi quando entra in scena, a livello lirico, evidenzia cose che i personaggi non diranno mai ad alta voce.

Quali sono stati i tuoi riferimenti creativi?

Poiché il Regno Unito è un paese molto antico, c’è questa mitologia costante che va molto indietro nel tempo, al punto che la storia remota inizia a sembrare quasi un futuro lontano. Ho giocato con il passato, il presente e il futuro. Ho immaginato di tornare indietro di 3.000 anni fino alle origini di alcune città e villaggi che esistono ancora. Ho pensato a ciò che stava accadendo nell’anno 1000, in modo astratto. Una Londra anglosassone in cui le cose non sono ancora accadute, ma in cui, allo stesso tempo, esistono gli stessi punti di riferimento.

Penso che sia simile anche nella musica pop, con generi diversi. Ovviamente non è così lontano nel tempo, ma c’è l’idea di poter giocare con le epoche, o con un ritorno al passato. Anche questo è futuristico? Ho giocato molto con la mitologia del Regno Unito, dal punto di vista musicale e storico.

Ho osservato le spirali che compaiono nell’antica arte celtica e che potrebbero quasi avere un’atmosfera stile Op Art di Bridget Riley. Sono entrambi mondi lontani, ma c’è qualcosa di quasi britannico in tutto ciò. La natura selvaggia di William Blake, Beowulf e poi recentemente, fino ai Beatles. Forse stiamo solo cercando di mettere in risalto un’idea di britannicità.

In che modo la tua esperienza con i set dei club e i paesaggi sonori cinematografici ha influenzato questa particolare colonna sonora?

Le diverse sezioni della colonna sonora vengono attivate come se stessi organizzando un set da discoteca. Ci sono brani di uno o due minuti che mi assicuro di far partire al momento giusto e con i look giusti.

Penso che l’effetto live sia molto bello. Con le mie canzoni e il mio processo, tendo a testare le cose per la prima volta dal vivo o in un club: si tratta di brani incompiuti. Mi piace pensare che tutta la musica sia un po' incompiuta, perché c’è sempre il remix o l’editing, o le reazioni delle persone. È così che i generi vengono costruiti in una sorta di Torre di Babele. Penso a tutta la musica come a un’opera grezza e incompiuta.

Credo che il mio processo consista nel coinvolgere questo aspetto e nell’attingere all’umorismo, alla scrittura delle canzoni e alla collaborazione che matura nella musica stessa.