McQueen Creative Collaborators: A. G. Cook

Die Zusammenarbeit von McQueen mit britischen Künstlern, die die Innovation in der Musik vorantreiben, wurde mit der Frühjahr/Sommer 2026 Modenschau fortgesetzt, deren Soundtrack von A. G. Cook produziert wurde.

Cook, ein mit einem Grammy ausgezeichneter Musiker und Musikproduzent, der sich durch seinen innovativen und experimentellen Stil auszeichnet, schuf eine Originalmusik, die von den Referenzen der Kollektion inspiriert ist.

Weitläufige, filmische Klangschichten vereinen von den Elementen inspirierte Klänge – Wasser, Erde und Feuer – mit synkopierten Techno-Beats. Eine Erkundung der Spannung zwischen beunruhigend und erhebend, mit Übergängen zwischen Akustik und Synthesizern – eine moderne Interpretation von Folklore, angelsächsischen und urbanen Einflüssen, die sich zu einer traumhaften Entfesselung hinbewegt.

Können Sie uns etwas über das grundlegende Ziel des Soundtracks erzählen und wie er entwickelt wurde?

Der Auftrag war diese Art von seltsamer britischer Folklore mit The Wicker Man's Gefühl der 1970er Jahre, etwas, das ich sowieso mag. Meine Interpretation war es, zwischen verschiedenen Welten zu wechseln, sei es elektronisch oder akustisch und unplugged, oder etwas, das ein wenig verspielt und dann wieder ernster ist – diese Idee von etwas, das manchmal sinnlich oder düster ist, und Heiterkeit, die auch düster sein kann.

Ein ganzer Teil des Stücks besteht aus stark manipulierten, neu gesampelten Versionen von mir, wie ich diese sehr kleine Blechflöte spiele. Dann habe ich geschaut, ob ich daraus etwas ganz Synthetisches machen kann. Deshalb ist ein Teil der fragwürdigen Stimmung, die Sie hören können, immer noch da! Ich spielte ein paar verschiedene Instrumente und nahm sie auf, um zu sehen, ob ich sie härter und industrieller machen konnte, um sie dann wieder in etwas Feineres zu verwandeln. 

So habe ich angefangen, und das war im Grunde ziemlich zufällig und ziemlich amateurhaft. Ich bin kein registrierter Tin Whistle-Spieler!

Wie passt der Soundtrack zu der Erzählung der Kollektion, in der es darum geht, sich der Kraft der Natur zu unterwerfen?

Ich bin in London aufgewachsen, was schon eine komische Verbindung zur Natur hat. Es ist grün, aber es ist nicht grün. Ich habe auch viel Zeit in LA verbracht, was eine andere Art von dystopischer Verbindung zur Natur ist. Ich habe auch viel Zeit in verschiedenen Nationalparks in Großbritannien und den USA verbracht, auch in Montana, im Yellowstone National Park. Ich fühle mich also wie ein Stadtjunge, der sich allmählich in der Wildnis verirrt hat. Das ist etwas, mit dem ich mich schon seit einigen Jahren beschäftige.

In meiner Musik habe ich lange Zeit Instrumente sozusagen verbannt. Ich habe nur einen Laptop, zwei Lautsprecher und ein Mikrofon benutzt. Keine Gitarren, keine Tastenmusik, nichts. Jetzt lerne ich allmählich wieder dazu, egal ob es sich um Akustikgitarre oder Field Recording handelt. Viele Dinge, die für mich früher verboten waren, sind zurückgekehrt.

Bei einem Auftrag wie diesem, bei dem es um die Spannungen geht, die wir alle mit der natürlichen Welt haben, kann man damit viel Spaß haben. Es hat eine gewisse Frechheit an sich.

Erzählen Sie uns, wie eine der kreativen Referenzen für die Show entstanden ist, wie The Wicker Man, Ihren Ansatz beeinflusst und das Stück geprägt hat?

Es gibt Horrorelemente, aber der Film hat die ganze Zeit über ein gruseliges Lächeln. Es gibt etwas Uraltes. Es ist eine Collage, nicht wirklich alles von einem Ort.  Der Film spielt mit dieser Spannung eines Außenseiters, der dort ...

Die Musik selbst hat viele Momente der Stille im Soundtrack. Wenn dann die Musik einsetzt, weist sie textlich auf Dinge hin, die die Charaktere nie laut aussprechen werden.

Was waren Ihre eigenen kreativen Referenzen?

Da Großbritannien ein so altes Land ist, gibt es diese ständige Mythologie, die so weit zurückreicht, dass die ferne Geschichte sich fast wie eine ferne Zukunft anfühlt. Ich habe mit der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft gespielt. Ich stellte mir vor, 3000 Jahre zurück zu den Wurzeln einiger Städte und Dörfer zu gehen, die noch immer existieren. Ich dachte darüber nach, was im Jahr 1000 vor sich ging, abstrakt. Ein angelsächsisches London, in dem sich noch nicht viel getan hat, aber gleichzeitig haben Sie die gleichen Wahrzeichen.

Ich denke, dass es auch in der Popmusik ähnlich ist, mit verschiedenen Genres. Es ist natürlich nicht so weit zurück, aber es gibt die Idee, dass wir mit Epochen spielen können, oder einen Rückblick. Ist das auch futuristisch? Ich hatte eine Menge Spaß mit der Mythologie des Vereinigten Königreichs, musikalisch und historisch.

Dabei habe ich mir die Spiralen angesehen, die in der alten keltischen Kunst auftauchen und die fast wie Op Art von Bridget Riley wirken könnten. Sie sind beide Welten voneinander entfernt, aber das hat fast etwas Britisches. Die Wildheit von William Blake, die bis zu Beowulf zurückreicht und dann bis zu den Beatles weitergeht. Vielleicht ist es nur eine Idee von Britentum, die wir versuchen, über die Dinge zu stellen.

Wie haben Ihre Erfahrungen mit Club-Sets und cineastischen Klanglandschaften diese besondere Partitur geprägt?

Die verschiedenen Abschnitte des Soundtracks werden ausgelöst, als ob ich ein Club-Set auflege. Es gibt diese ein- oder zweiminütigen Tracks, bei denen ich darauf achte, dass sie zur richtigen Zeit und mit dem richtigen Look kommen.

Ich finde die Lebendigkeit wirklich schön. Bei meinen eigenen Songs und meinem Prozess neige ich dazu, Dinge zum ersten Mal live oder in einem Club auszuprobieren – Dinge, die unvollendet sind. Ich sehe jede Musik als etwas Unfertiges an, denn es gibt immer einen Remix oder eine Bearbeitung, oder Leute, die darauf reagieren. Auf diese Weise werden Genres in einer Art Turm von Babel aufgebaut. Ich betrachte alle Musik als unfertig und unvollendet.

Ich denke, mein Prozess besteht darin, mich darauf einzulassen und den Humor, das Songwriting und die Zusammenarbeit, die in der Musik selbst reif ist, zu nutzen.